迪士尼的卡通產業

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1928年,一個卡通人物誕生了。那年5月一隻早期的米老鼠在「飛機迷」(Plane Crazy)的無聲影片中首次登場。11月,在紐約城的Colony戲院,首次全面發行的同步發聲卡通影片「蒸汽船威利號」(Steamboat Willie) 讓後來被稱為米老鼠的角色躍上了螢幕。

同步發聲首次出現在1927年的「爵士歌手」影片裡。這次的成功促使華特•迪士尼模仿混合聲音的技術並引進卡通影片。沒有人知道這是否會成功,也不知道是否能吸引觀眾。但是當迪士尼在1928年夏天試驗的時候,其結果毋庸置疑。正如迪士尼自己描述第一次試驗的情景:我這些工作人員有的能夠看懂樂譜,其中一個還會吹奏樂器。把他們安置一個房間裡面,看不到螢幕。我們把他們的聲音導入另一個房間,那裡坐著太太們和朋友們,準備觀看畫面。

工作在音樂和音效樂譜之間忙碌。在經歷了數次失敗之後,聲音和動作終於開始相互一致。吹奏者演奏著樂曲,其他在聲效房間的人敲打著鐵盤或者按照節奏吹著哨子。同步的程度非常接近。

而對我們少的可憐的觀眾來說,卻產生了近乎觸電的效果。他們幾乎是本能的隨著聲音和動作做出反應。我本來以為他們在騙我,但當他們讓我也坐到觀眾中間,重新觀看影片,整個過程雖然很寒酸,但是卻奇妙無比!而且它是才出現的新東西!

迪士尼後來的合夥人,也是動畫界最優秀的創作者之一的Ub Iwerks 他的反應更強烈:「我一輩子從來沒有如此振奮。之後我想也沒有任何事情可以和這次相提並論了。」

迪士尼基於一些比較新的事物創造了一些全新的事物。在迪士尼之前,同步聲音並沒有在其他影片中發揮重要的作用,甚至還比不上電影的旁白。在動畫影片的早期歷史中,是迪士尼的發明訂定了產業標準,讓其他人苦苦追隨。而在很多狀況下,迪士尼的偉大天才和創造力的閃現,都是建立在別人的工作基礎之上。

這段故事很可能你已經聽過,但你可能不知道,1928年還經歷了另一個重要的變化。那一年一個喜劇(與卡通相對)天才創作了他最後一部獨立製作的無聲電影。他就是巴斯特‧基頓(Buster Keaton)。這部影片是「蒸汽船小比爾號」(Steamboat Bill, Jr.)。

基頓1895年出生於一個雜耍家庭。在無聲電影時期,他掌握了利用動作激發觀眾笑個不停的方法。「蒸汽船小比爾號」就是這個手法的經典之作,因為它難以置信的特效而在電影迷中聲名大噪。這部電影業是基頓的經典,在同類型的影片中是最棒、最流行的。

「蒸汽船小比爾號」比迪士尼的卡通片「蒸汽船威利號」要早推出。而且不單單只是片名上的巧合,「蒸汽船威利號」其實是「蒸汽船小比爾號」的嘲諷版,兩部片子都是因為相同的一首歌曲所做得創作。米老鼠的誕生不僅只是因為「爵士歌手」中同步發聲的發明,還有因為「蒸汽船威利號」模仿「蒸汽船小比爾號」(而後者又是從歌曲「蒸汽船比爾」而來);在這一連串的總和,我們得到了米老鼠。

無論是對迪士尼還是對整個產業來說,這種「借用」方法並不罕見。迪士尼一生中經常從當年的主流長片中模仿創造。其他人也同樣如此。早期的卡通片充斥了複製品,通常是對成功的影片稍加修改,或重新講述那些古老的故事。成功的關鍵是其中的差異有多麼精彩。對迪士尼來說,正是音效讓它的動畫片變得分外耀眼。後來,則是依靠它自身在卡通片生產線上的工作質量做競爭。然而這些副產品都是建築於借自前人的基礎。迪士尼常常取材於一些既有的作品,再把那些稍顯陳舊的內容翻新一下,創造出新的花樣。

有時候這樣的借用是看不出來,有時候卻很明顯。就拿格林童話的故事來說,如果你和我一樣無知,你可能會認為這些故事都是非常幸福、甜蜜的故事,也適合在睡覺前講給任何孩子聽。事實上,格林的童話故事對我們來說應該非常恐怖。或許只有那些有超級膽識的父母才敢把這些血腥、帶有教訓意味的故事在睡前或者其他時間讀給孩子聽。

迪士尼則是用另一種方式重新講述這些故事,並把它們帶入了一個新時代。他用角色和燈光讓這些故事活躍在螢幕上。他並沒有把恐懼和危險元素一起拿掉,而是讓那些陰暗的部分變得搞笑,並在有恐懼情節的地方植入同情心。當然他不只是對格林童話作了這樣的處理。事實上,當你列舉迪士尼的所有作品時,你會對借自其他作品的數量感到驚訝:白雪公主(1937年)、幻想曲(1940年)、小木偶(1940年)、小飛象(1941年)、小鹿斑比(1942年)、南方之歌(1946年)、灰姑娘(1950年)、愛麗絲夢遊仙境(1951年)、羅賓漢(1952年)、彼得潘(1953年)、小姐與流氓(1955年)、花木蘭(1998 年)、睡美人(1959年)、101忠狗(1961年)、石中劍(1963年)、森林王子(1967年),還不算我們可能已經很快忘記的最近一部金銀島(2003年)。在這些例子中,迪士尼(不是迪士尼公司)擷取周遭文化的創意,再把這些創意和他自己的獨特天才進行了混合,然後把這種混合作品燒錄進他自己的文化中。擷取、混合以及燒錄。(朱註:RIP、MIX、BURN, 這也是下載樂曲,燒錄光碟的動作)

這就是一種創作方式,也是我們應該記住和鼓勵的創作方式。有人說除了這種方式實際上也沒有其他創作方式,我們不需要推論到這個極端,就可以知道其重要性。儘管這有點誤導,我們可以稱之為「迪士尼創作模式」。更準確地說,「華特‧迪士尼創作模式」,是一種以自己的天分利用周遭的文化,表現出不同成果的創作模式。

1928年,迪士尼能夠改編的文化還算是相對的年輕。「公共所有」的概念在當時還不夠老化,所以還很靈活。平均的著作權條款大都在30年左右,實際上也只有少數的創作物受到著作權約束。這意味著大約平均30年內,創作物的作者或著作權持有者具有控制作品某些方面如何使用的「排他性權利」。在受限制的範圍內使用這種受著作權約束的作品,也都要經過著作權人的允許。

在著作權效期結束後,一個作品將進入「公共所有」(public domain)。在此作品基礎上改編或者使用作品本身都不再需要許可。沒有許可,也就因此無需律師。「公共所有」是一個「律師禁入領域」。因此大部分來自十九世紀的內容都可以讓迪士尼在1928年自由使用和架構。任何人也都可以使用和繼續架構,不管他們是不是有任何的關係,或是富有,或是經過了批准。

事情一直這樣發展到最近為止。在我們大部分歷史中,「公共所有」的概念一直在遙遠的地平線彼端。從1790年到1978年,平均的著作權保護期間從來沒有超過32年(譯者註:中國的著作權法保護到著作人逝世後第50年,英國是70年。)(章按:中華民國著作權法為著作人死亡後50年,美國著作權法以著作人死亡後70年為原則,二國保護期間不同。),這意味著大部分的文化經過一代和又十年的時間就可以讓任何人自由使用,不需要經過其他人的允許。如果照著同樣的規範,那些1960和1970年代的創意作品已經可以讓今日的下一個華特•迪士尼重新創造而無需得到允許。但是,今天的「公共所有」的規範竟然只適用在美國「大蕭條」(朱註:約1930年)時期之前的內容。

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